Née à Kiev, en Ukraine, et installée aux États-Unis dès 1905 où elle vécut toute sa vie, Louise Nevelson (1899–1989) fut une sculptrice au langage artistique unique : un travail conscient d’assemblage de matériaux divers, en particulier le bois, issu de l’usage et du rebut de meubles et d’objets. Récupérés dans des contextes quotidiens, ces matériaux se révèlent singuliers car déjà formés, porteurs d’une histoire, d’une mémoire, d’un passé. Pour Nevelson, en tenir compte signifiait mettre en valeur l’action humaine antérieure et la prolonger.
Installée à New York dans les années 1920, elle étudie à l’Art Students League avec K.H. Miller, puis à Munich avec Hans Hofmann, tout en voyageant à Paris et en Italie, où la découverte de l’art africain et du cubisme s’avère déterminante. Grâce à une production sculpturale influencée par les grandes avant-gardes du XXe siècle, en particulier le cubisme et le néo-dadaïsme américain, elle s’impose comme l’une des figures majeures de l’art de l’après-guerre.
Dans les années 1930, elle travaille comme assistante de Diego Rivera et ouvre son propre atelier à Greenwich Village, s’orientant progressivement vers la sculpture avec une sensibilité primitiviste. Dès les années 1940, elle participe à des expositions importantes, dont Thirty-One Women à la galerie Art of This Century de Peggy Guggenheim (1943), et expose régulièrement aux expositions annuelles du Whitney Museum. Sa reconnaissance s’affirme dans les années 1950 avec plusieurs expositions personnelles à la Grand Central Modern Gallery et l’entrée de ses œuvres dans les collections de grands musées américains.
La période de maturité artistique, la plus connue du grand public, s’ouvre sur une phase intermédiaire – pourtant pleinement consciente et maîtrisée – durant laquelle l’artiste explore la spatialité sculpturale à travers la compacité et la synthèse formelle. L’usage du noir uniforme évite toute dispersion visuelle, tandis que la densité et la sobriété formelle maintiennent l’unité de la composition. Un exemple frappant en est The Big Cat (terre cuite peinte en noir, vers 1955) : la pureté géométrique des formes, la force volumétrique, les surfaces étendues et silencieuses, ainsi que le visage émergent de tracés incisés, composent une figure à la présence presque mythique. Comme l’a observé Eleanor Munro, ses œuvres se situent "à la frontière entre surréalisme et abstraction".
Des expositions majeures telles que Sixteen Americans au MoMA - Museum of Modern Art de New York en 1959, où elle présente Dawn’s Wedding Feast, consolident sa réputation, suivies de sa participation à la Biennale de Venise (1962) et à Documenta Kassel (1964). En 1967, le Whitney Museum of American Art lui consacre une grande rétrospective, l’une des premières dédiées à une femme sculptrice aux États-Unis, marquant sa reconnaissance internationale. Ses œuvres intègrent les collections d’institutions majeures telles que le MoMA - Museum of Modern Art et le Solomon R. Guggenheim Museum, affirmant son rôle central dans l’évolution de la sculpture d’après-guerre. À partir de la fin des années 1960, Nevelson réalise d’importantes commandes publiques monumentales, telles que la Chapel of the Good Shepherd à New York (1977) et Sky Gate – New York pour le World Trade Center (1978), tout en poursuivant une intense activité d’exposition en Europe et aux États-Unis, notamment grâce à sa collaboration avec le Studio Marconi à Milan. D’importantes rétrospectives, comme Atmospheres and Environments au Whitney Museum et l’exposition itinérante The Fourth Dimension (1980), contribuent à renforcer son héritage, régulièrement célébré par de grandes expositions posthumes.
Son héritage comprend également des collaborations significatives qui ont permis de mettre en lumière des aspects moins connus de sa pratique. Parmi celles-ci, une attention particulière a été portée à sa production céramique en Italie, au MIC – Museo Internazionale delle Ceramiche de Faenza, en collaboration avec la Galleria d’Arte Maggiore g.a.m. L’exposition personnelle Terrecotte e disegni (1996) a révélé une dimension plus intime mais cohérente de son œuvre, en présentant notamment une sélection de sculptures en terre cuite remontant aux débuts de sa carrière ainsi que des oeuvres sur papier. Cette collaboration a non seulement enrichi la compréhension de son rapport aux matériaux, mais a également confirmé la continuité de sa vision sculpturale à travers différents médiums, soulignant la pertinence durable et la profondeur de sa recherche artistique.