«Le silence éternel de ces espaces infinis m’effraie» - Blaise Pascal
Étranger, mais non indifférent, Morandi a traversé indemne les grands bouleversements de l’art d’hier et d’aujourd’hui pour nous transmettre une peinture qui surprend par son extraordinaire actualité. « Tacitement fidèle à elle-même bien que différente, à travers des variations imperceptibles en surface et considérables dans la substance », la peinture de Morandi avance ainsi dans le temps et semble tendre la main à 1987, à l’exposition monographique voulue par Madame Chirac au sein de l’Hôtel de Ville de Paris, où l’on s’interrogeait déjà à l’époque sur sa capacité à demeurer toujours actuelle. Une «condition Morandi » évidente alors et confirmée aujourd’hui, que la Galleria d’Arte Maggiore g.a.m. a décidé d’explorer dans cette exposition présentée dans son espace parisien, en proposant à nouveau certains des dialogues avec des artistes contemporains ou de l’après-guerre déjà présentés jusqu’ici. Les toiles de Morandi entrent ainsi en dialogue avec les œuvres de Lee Ufan, Josef Albers, Ettore Spalletti et Lucio Fontana.
L’exposition coïncide avec la parution du volume « Giorgio Morandi. Mark Rothko », publié par la Fondazione Calarota et Dario Cimorelli Editore.
L’actualité de l’œuvre de Morandi, telle qu’elle était décrite dans le texte d’ouverture de l’exposition organisée à l’Hôtel de Ville de Paris en 1987, constitue le point de départ de cette exposition. Bien que quarante ans se soient écoulés depuis cette exposition iconique, réalisée en collaboration avec la ville de Bologne, le texte écrit par Franco Solmi nous ramène à une question toujours ouverte : celle du secret d’un art qui a traversé, et continue de traverser indemne, tous les grands bouleversements d’hier et d’aujourd’hui. Fidèle à l’esprit de l’un des penseurs les plus aimés de Morandi lui-même, son Pascal qui écrit : « nous ne nous tenons jamais au temps présent, nous anticipons l’avenir, trop lent à venir, presque pour en hâter le cours ; ou bien nous rappelons le passé pour l’arrêter, comme trop rapide », la Galleria d’Arte Maggiore g.a.m. se donne pour ambitieux objectif d’explorer le secret de cette actualité, en reproposant dans cette exposition parisienne certains dialogues avec des artistes contemporains ou de l’après-guerre et en révélant le dialogue inédit « Giorgio Morandi. Mark Rothko », dernière grande intuition de Franco Calarota, aujourd’hui approfondie dans un ouvrage auquel participent d’importants chercheurs et institutions, tels que la National Gallery of Art de Washington D.C. et la Fondazione Rothko, par Christopher Rothko.
Les toiles de Morandi sont au cœur de l’exposition, à commencer par une Nature morte mise en regard avec Ettore Spalletti. Une rencontre développée lors de l’exposition de 2014/2015 au sein de la Galleria d’Arte Maggiore g.a.m., dans son siège historique de Bologne, où le peintre contemporain décida de repeindre les murs de la galerie dans une délicate teinte crème, transformant la scénographie en une installation d’art total, où ses œuvres et celles de Morandi créaient une même atmosphère suspendue. Le résultat est une expérience immersive, décrite par Francesco Bonami comme un « duo entre deux sopranos. Légèreté et puissance », et une exposition entrée dans de nombreux ouvrages d’histoire de l’art.
Vient ensuite une Nature morte de 1941, d’une importance historique particulière parce qu’elle provient de la collection de Francesco Arcangeli (historien de l’art et ami de Morandi) et qu’elle a récemment été exposée au Palazzo Reale de Milan. Elle est ici mise en relation avec les coups de pinceau de Lee Ufan. Une exposition que nous avions proposée en 2017 à The Armory Show de New York, où le dialogue entre les toiles se manifeste dans « chaque sujet étudié avec méditation, chaque coup de pinceau considéré avec intimité, chaque composition conçue avec minutie », et où apparaît un point de rencontre entre une figuration qui tend vers l’abstraction et une abstraction qui devient une empreinte picturale méticuleuse.
Une troisième Nature morte, dont la construction se densifie en blocs, sera ensuite mise en regard d’un autre dialogue pressenti par Franco Calarota : celui avec Josef Albers qui, dans sa série Homage to the Square, reprend avec la même obstination sérielle que Morandi avec ses bouteilles et ses objets le thème du carré, afin d’aborder l’importance de la couleur, non seulement dans la construction de leur univers pictural, mais également dans sa capacité intrinsèque à définir des formes et des espaces sur différents plans.
Le dernier dialogue proposé dans l’exposition se concentre sur la lumière que Morandi parvient à matérialiser dans ses œuvres et sur celle qui traverse les entailles des Tagli de Lucio Fontana. Une confrontation explorée pour la première fois par Maria Cristina Bandera lors de l’exposition au CAMeC de La Spezia en 2025 et qui, par sa proximité conceptuelle, rappelle celle que nous avions proposée avec Josef Beuys en 2022 : si, chez Morandi, il s’agit « de resserrer les mailles du langage pictural jusqu’à faire apparaître l’invisible », chez Fontana, comme chez Beuys, c’est le geste qui cherche à ouvrir « une brèche vers l’infini, un pas irréversible vers la liberté de l’art ».
Franco Solmi écrit dans le texte d’introduction de l’exposition de 1987 à l’Hôtel de Ville :
« Les images emblématiques de Morandi semblent se fixer au centre dangereux, ou aux frontières d’un thème diffus de révolte, d’un refus insinuant et désormais un peu plus bruyant du système des codes qui, aujourd’hui, en sont venus à menacer la substance secrète du style individuel [...] Si l’image picturale d’aujourd’hui, et peut-être d’un hypothétique lendemain, parvenait réellement à se reconnaître différente tout en restant fidèle à elle-même, elle pourrait se révéler être l’un des rares instruments de résistance aux conformismes infinis qui caractérisent l’imaginaire, y compris esthétique, de l’ère électronique.Transgression et résistance, et non négation absolue, car l’art, et en particulier celui de Giorgio Morandi, peut exister, durer dans le temps et en dehors du temps de la chronique, mais seulement pour fonder sa propre modernité, son propre présent incontournable. Morandi est en effet le peintre chez lequel, peut-être plus clairement que chez tout autre, les tensions brûlantes et les dialectiques formelles ont été mises en évidence et recomposées dans l’unité inquiète mais solide d’un style extrêmement personnel. [...] Cette position est presque insoutenable et souvent menacée. Mais elle peut bel et bien se vérifier dans l’art, s’il est vrai, comme dans ce cas, qu’une « condition Morandi » a existé à chaque moment de l’histoire et qu’elle existe encore, au moins comme aspiration de l’homme, et en particulier de l’homme-artiste, à l’expression totale — en somme, à la création [...] La question de la signification de la présence et du détachement, de l’actualité et de l’inactualité de l’œuvre de Morandi revient à se poser, une fois encore, immuable, comme un dilemme commencé depuis toujours et qui se prolonge : presque un discours sur des choses aimées ou haïes depuis longtemps, qui fascine subtilement ou empoisonne lentement. [...] L’œuvre du solitaire de la via Fondazza est certainement le symbole d’une universalité moderne, qui n’est peut-être pas perdue dans les aspirations humaines, mais qui est irrémédiablement menacée — la seule que notre siècle puisse imaginer : traduire en images. [...] Pour Morandi, la peinture était alors plus que jamais un lieu de l’infini, d’un temps sans présent. »
Pour la toile de Lee Ufan présentée dans l’exposition, nos remerciements vont à la Galleria Lorenzelli de Milan.
