Être assez résistant pour traverser les époques de l'art sans en porter les stigmates, ou assez léger pour exister dans une éternelle suspension temporelle: telles sont les voies qu'ont empruntées les artistes, peut-être seulement les meilleurs d'entre eux, pour échapper au vieillissement. L'une, l'autre, ou peut-être les deux à la fois. Giorgio Morandi appartient assurément à l'une de ces catégories; sa peinture, «tacitement fidèle à elle-même bien que différente, à travers des variations imperceptibles», n'a jamais cessé d'interroger le présent, opposant à la frénésie des langages une rigueur faite de bouteilles, de bols et de tons poudrés. C'est cette poétique que la Galleria d'Arte Maggiore G.A.M. remet à l'honneur dans la capitale française, quarante ans après la célèbre exposition monographique organisée à l'Hôtel de Ville de Paris en 1987, avec l'exposition «Giorgio Morandi. Un lieu de l'infini» (jusqu'au 5 novembre, au 208 boulevard Saint-Germain), renouant ainsi les fils d'un parcours artistique qui demeure d'une grande actualité.
L'exposition se déploie comme une succession de courts-circuits visuels intenses, mettant en relation les toiles du maître bolonais avec des figures marquantes de la seconde moitié du XXe siècle et de la création contemporaine. On passe ainsi d'une nature morte confrontée à la sensibilité monochrome d'Ettore Spalletti, rappelant idéalement la mémorable scénographie bolognaise de 2014, où l'artiste natif de la region Abruzzo avait repeint les murs de la galerie pour créer une atmosphère unique et impalpable, à l'essentialité intime des compositions de Lee Ufan. Dans l'œuvre de l'artiste coréen, exposée aux côtés d'une rare Nature morte de 1941 ayant appartenu à l'historien de l'art Francesco Arcangeli, le trait se mue en geste mesuré et en contemplation, révélant une aspiration commune vers une figuration frôlant l'abstraction conceptuelle.
Le parcours parisien explore ensuite la construction formelle des œuvres à travers une confrontation avec Josef Albers. La rigueur sérielle avec laquelle Morandi dispose ses objets du quotidien trouve un écho géométrique dans la série Homage to the Square, où la superposition de carrés analyse la perception de la couleur et le rythme de l'espace sur différents plans. Enfin, la matière lumineuse propre à Morandi trouve un miroir dans les gestes conceptuels de Lucio Fontana: ses célèbres incisions ne nient pas la peinture mais ouvrent la surface sur une dimension nouvelle, transformant la toile en une ouverture spatiale qui rejoint l'aspiration de Morandi à rendre visible le phénomène de l'invisible.
Ce panorama — enrichi par les hommages d'Arman, de Bertozzi & Casoni, de César et de Dadamaino — est complété par la publication simultanée de l'ouvrage «Giorgio Morandi. Mark Rothko», édité par la Fondazione Calarota et Dario Cimorelli Editore. Né d'une intuition de Franco Calarota et élaboré avec le concours de la National Gallery de Washington D.C. et de Christopher Rothko, le texte approfondit les liens inédits et profonds unissant les aplats flottants du maître de l'expressionnisme abstrait américain à la peinture de la Via Fondazza. Partant de prémisses différentes, tous deux ont su transformer la facture picturale en un espace hors du temps et de l'anecdote, démontrant que pour Morandi, la peinture n'était pas un simple exercice de style, mais un lieu réel et inépuisable de l'infini.
